5 minutos que te harán amar el período eléctrico de Miles Davis
Anuncio
Apoyado por
Navega por los interminables y serpenteantes ritmos del trompetista con selecciones de Flying Lotus, Cindy Blackman Santana y Terence Blanchard, entre otros músicos, escritores y críticos.
Por Giovanni Russonello
Durante el año pasado, The New York Times ha estado pidiendo a músicos, escritores y académicos que compartan la música que tocarían para un amigo para introducirlos en el jazz: un artista, instrumento y subgénero a la vez. Hemos cubierto a Duke Ellington, Mary Lou Williams, música de Nueva Orleans, vocalistas de jazz y mucho más.
Ahora, recurrimos al hombre conocido como el Príncipe de las Tinieblas, que nos dio el “Nacimiento de lo cool” y nunca dejó de redefinirlo: Miles Davis. Dado que la cambiante carrera del trompetista abarcó tantas fases y estilos, hemos decidido centrarnos en solo uno: la era conocida como “Electric Miles”, que comenzó en 1968 y continuó durante más de 20 años, cuando abrazó los instrumentos eléctricos y grooves obstinados y serpenteantes, en el proceso básicamente elaborando un modelo para el género ahora conocido como fusión de jazz-rock.
“Tengo que cambiar”, dijo una vez Davis. "Es como una maldición". Y a medida que él cambió, también lo hizo la música estadounidense. Durante gran parte de la década de 1950 y básicamente toda la década de 1960, cada vez que Davis lanzaba un álbum, el centro de gravedad del jazz cambiaba un poco.
A finales de los años 60, impulsado por su joven esposa, la cantante Betty (Mabry) Davis, e impresionado por músicos de funk y rock como Sly Stone y Jimi Hendrix, el trompetista disolvió su quinteto acústico y dejó a un lado sus trajes de negocios hechos a medida. (Vale la pena señalar que su matrimonio con Betty fue parte de un patrón tóxico: con frecuencia se inspiraba creativamente en las mujeres de su vida, pero a menudo abusaba físicamente y era despiadadamente controlador, como lo era con ella). Con Betty como una especie Como asesor creativo, compró un vestuario psicodélico, empezó a tocar su trompeta con un pedal wah-wah (como la guitarra de Hendrix) y convocó sesiones de improvisación enormemente largas con hordas de músicos: con múltiples guitarristas, teclistas, bateristas, bajistas y percusionistas tocando juntos, construiría improvisaciones colectivas que cobrarían vida propia.
Acerca de eso: cuando se trata de Millas Eléctricas, no llegarás muy lejos en cinco minutos. Así que tenemos que pedir perdón un poco por el nombre de esta pieza. Pero si tienes un poco más de cinco, sigue leyendo para ver las selecciones de músicos, críticos y escritores que comparten un profundo amor por el período eléctrico de Davis; Hay una lista de reproducción al final del artículo y puedes dejar tus favoritos en los comentarios. Estamos seguros de que se encontrará felizmente inmerso en la "brebaje" de Davis.
Y la música gritó Miles. Estaban pasando muchas cosas. Muchos de nosotros tomamos decisiones importantes durante la década posterior al asesinato de MLK, en abril de 1968. “Filles de Kilimanjaro” fue la canción que desapareció. Ya nada volvería a ser igual. Miles se volvió eléctrico. Ropa y todo. El concepto era nuevas direcciones. Miles respondiendo a los campos de exterminio. Droga post-funeral. Después de esto, no tuvo más bandas memorables. (La mayoría de nosotros ni siquiera podíamos nombrar a los nuevos miembros; sólo un gran músico, Kenny Garrett, se graduaría de esa academia de Miles posterior a los años 60). Pero, Dios mío, la señorita Mabry nos tenía embelesados. Era una forma de meditar, de pensar en lo que era impensable, una nueva era, un reino que la mayoría de nosotros no veíamos venir. Miles sabía que la música tenía que cambiar porque los tiempos estaban cambiando y el sonido del álbum “Filles” de 1968 fue un adiós solitario. Si escuchas esto a altas horas de la noche con las luces apagadas, podrás lidiar tanto con la muerte de lo que fue como con el nacimiento de lo que vendrá.
Escúchalo en YouTube
“Miles Runs the Voodoo Down”, de “Bitches Brew” (1970), tiene un ritmo realmente furtivo, genial y funky que resulta muy atractivo. Es fácil para la gente sentir dónde está. Me encanta la forma en que la canción avanza y comienza a completarse, con la guitarra y los teclados. Y a medida que Miles se desarrolla dentro de ese ritmo, escuchas ese gran y magnífico sonido de trompeta al que todo el mundo está acostumbrado. Todas las frases son tan significativas y tan sentidas. Cuando Miles escuchó por primera vez Lifetime de Tony Williams, quiso hacer de esa banda su banda, pero eso no iba a funcionar con Tony, así que Miles tomó al guitarrista John McLaughlin y al organista Larry Young y grabó con ellos. Mucha gente no le da a Tony el crédito que se merece por ese comienzo. Pero al final del día, Miles tuvo la apertura mental y la previsión para ver lo increíble que era, tomar su versión y seguir progresando con sus ideas.
Escúchalo en YouTube
“Lonely Fire” resulta ser mi canción favorita de Miles Davis. La gente siempre describe a Miles como si sonara como la voz de “el forastero” o “el solitario”, y esta canción da vida a esas etiquetas, un testimonio de su espíritu incomparable. He escuchado esta canción innumerables veces en muchas fases de mi vida y estados de ánimo, y todavía no sé qué tipo de configuración se necesita para crear un momento como este. Y para ser honesto, no quiero saberlo. Para mí es mágico.
No había pensado en eso hasta ahora, pero esta canción realmente suena como mirar fijamente al fuego. Por un momento, no existe nada más. Existe la misma sensación de estar perdido y suspendido en el tiempo, hipnotizado por alguna belleza destructiva.
Escúchalo en YouTube
Mis piezas favoritas de la era eléctrica de Miles son las grabaciones en vivo que hizo en Japón en 1975 para los álbumes “Agharta” y “Pangaea”. La banda desarrolla un cierto tipo de tapiz que permite a cada intérprete tener individualidad, pero medida por el conjunto: todo es igual. Y lo único que realmente destaca de ese tapiz son los comentarios que hace Miles Davis sobre su trompeta. En esta época, optó por hacer frases más cortas que las que tenía en su música acústica (no desconectadas entre sí, sino simplemente frases más cortas con más espacio entre ellas) y desdibujó la paleta que se ocupaba del tono. Con las guitarras, los teclados eléctricos y todos esos componentes adicionales en juego, él daba forma a lo que surgiera de la banda basándose en lo que yo llamaría su filosofía tácita de lo que debería ser la música. Todo dependería de si miraba a alguien, tocaba algo, cambiaba la sordina de su trompeta o se pasaba a los teclados. Todas esas cosas fueron los componentes de su composición.
Escúchalo en YouTube
Esta versión de “Human Nature” de Michael Jackson fue en realidad la primera música de Miles Davis que escuché. Tuve un maestro que me decía: “¿A ustedes les gusta Michael Jackson? Michael Jackson y el jazz son lo mismo”. Y nosotros dijimos, sí, claro. Pero luego nos pusieron la versión de Miles de “Human Nature”. Debido a la época, conocía muy bien esa canción y escuchar a alguien tan famoso tocar esa melodía en una trompeta fue realmente inspirador. No puedo decirte lo motivador que fue. Comencé a explorar videos en línea y vi todas las diferentes formas en que podía hacer un solo en esa canción; Esta también fue la primera vez que vi cómo vestía Miles y cómo se veía, cómo interactuaba con su banda, cómo interactuaba el público con él. Un instrumentista operando al nivel de una estrella de rock era algo que nunca antes había visto en mi vida.
En presentaciones en vivo, como esta de 1991, había un gran solo de Kenny Garrett al final de la melodía, y eso me ayudó a comprender el papel que el saxofón alto también estaba desempeñando en la era moderna. Todos sabemos que Kenny Garrett es una especie de dios del contralto, y esta fue mi primera experiencia de saber quién es: destrozando por completo “Human Nature”.
Escúchalo en YouTube
“Filles de Kilimanjaro”, para mí, marca el inicio del período de fusión en la carrera de Miles. Su momento estuvo lleno de experimentación, por lo que su apertura a nuevos sonidos y enfoques no fue una sorpresa. El uso de esos elementos eléctricos parece surgir de la necesidad de encontrar nuevos sonidos y colores. Creo que lo que lo hizo tan útil es que su uso no le hizo diluir su enfoque musical, sino que sólo lo mejoró. Lo que nos recordó a todos que la música siempre fue lo más importante, no sólo el uso de esos elementos. Toda la carrera de Miles Davis se basó en la búsqueda de la verdad y el descubrimiento. Con su período eléctrico, esta búsqueda constante de nuevas ideas y sonidos nos trajo todo un género musical.
Escúchalo en YouTube
“In a Silent Way” es simplemente mágico. El comienzo de la canción me da una sensación de quietud sostenida en el aire antes de pasar a un ritmo completo y regresar nuevamente a un espacio quieto. Encuentro mucho valor en el espacio y el tiempo en la música, y Miles parece capturar estas sensibilidades con un propósito. Este disco, de 1969, fue el comienzo de su paso hacia sonidos más eléctricos y disfruto con la confianza con la que se hizo. Estaré eternamente agradecido por esta canción y los discos que siguieron.
Escúchalo en YouTube
En “He Loved Him Madly”, un tributo a Duke Ellington de 1974, se puede escuchar a cada músico realmente buscando: tomándose su tiempo, buscando el sonido y la visión colectivos. Hay tanta paciencia, es casi meditativo, a pesar de que es tan eléctrico: tres guitarras y luego todas estas diferentes capas de electricidad encima de ellas. En muchas ocasiones, ni siquiera sabrías cuántas personas hay en la canción, pero si la escuchas y la desglosas, es increíble. Crece en este surco; Empiezas a tener este hermoso momento de flauta alta con las guitarras, y luego alrededor de la mitad, ¡que son 16 minutos! – Miles entra con su perfecta voz de trompeta y la abre de nuevo por completo.
“He Loved Him Madly” resume una de mis cosas favoritas de Miles, que es que es muy intencional en todo. Cada nota y cada cambio que ocurre en la sección rítmica influye en cómo se siente colectivamente, con este ritmo lento y simple que dura casi 30 minutos. Y luego, en la última sección, obtienes un poco más de ventaja, ese lado más valiente y funky que emerge, y es simplemente la evolución más increíble. Para cualquiera que no esté tan familiarizado con el trabajo de Davis, creo que sería gratificante simplemente sentarse con la evolución de esta canción, sentarse con la intención y la paciencia que se necesita para crear algo como esto.
Escúchalo en YouTube
Mientras escuchaba recientemente a Maurice White tocar la batería en “The Mighty Quinn”, la versión de 1968 de Ramsey Lewis del clásico de Bob Dylan que Manfred Mann hizo popular, escuché indicios de jazz-funk. (Por supuesto, White se hizo más conocido como el fundador y cantante principal de Earth, Wind & Fire). Sin embargo, el álbum de 1971 de Miles Davis, “Jack Johnson”, es un ejemplo temprano de jazz-funk genuino. Grabado en 1970, “Jack Johnson” presenta el característico sonido pensativo de Davis en la trompeta, mientras que las líneas de bajo de Michael Henderson son funk clásico. También son notables los licks de blues de John McLaughlin en la guitarra y la interpretación del actor Brock Peters de Blackness no reconstruido de Jack Johnson (escuchada en una voz en off al final de “Yesternow” de 25 minutos). El álbum presagia la creciente fascinación de Davis por el funk y su impacto más amplio en la música y la cultura negras en la década de 1970.
Escúchalo en YouTube
Escúchame sobre esto. Con el material de Davis de los 80, siempre habrá cosas que tendrás que superar. Llamémoslo estética del tema “Ley y orden”, para abreviar, y dejémoslo así. Pero si algunas de las elecciones de “Hannibal” pueden parecer superficiales (el bajo alegre de Marcus Miller, el sonido del sintetizador con cuerdas adyacentes, el platillo de acero inadaptado), también hacen que el principal logro de la canción sea aún más impresionante: preserva el sentido. de oscuridad y peligro que siempre ha corrido justo debajo de la superficie a través del mejor trabajo de Davis. No se puede pasar por alto lo bien tramada y producida que está esta canción (está lejos de sus extensas improvisaciones funk de la década de 1970), pero aún así se eriza y se esconde misteriosamente. No puedes precisarlo. “Hannibal” proviene de “Amandla”, un magistral LP de 1989 cuyo nombre, que significa “poder” en zulú, expresaba solidaridad con los revolucionarios que luchaban contra el apartheid en Sudáfrica. Deja ir tus expectativas y te conquistarán.
Escúchalo en YouTube
Miles Davis es el “héroe de las mil caras”, el que Joseph Campbell revela como musa de todos los mitos y leyendas que llegan a su reino, más allá de Occidente, más allá de la vida y el más allá, más allá del mal y la virtud, lo que Ellington podría llamar “ más allá de la categoría”. En las sesiones que se convertirían en su álbum “Water Babies” (1976), nos regaló dos de esos rostros, reducidos a la mitad hasta la precisión de la unión divina y regresando como uno solo. “Two Faced” como en Gemini, junto con otros héroes que intentan perforar la farsa electroacústica como Kendrick Lamar, como Tupac, como Ye, como estrellas, como años, como números. A veces se extraen su propia sangre en busca de la fuerza vital del sonido. Tiene sentido lógico que este álbum, compuesto por tomas descartadas de “Nefertiti” e “In a Silent Way”, también albergue lo que creo que es uno de los únicos momentos autobiográficos en el catálogo de Miles. Se habla de sí mismo durante el relevo de 18 minutos entre balada y blues, alegre y adagio. Admite el exceso de visión que no puede evitar, lo recorre lentamente, lo retrae con urgencia, de un lado a otro en una ambivalencia perfecta y característica. Una vez dijo que tocaba baladas tan bien que tuvo que dejar de tocarlas para mejorar o dominarse. En “Two Faced”, grabada en 1968, difumina una balada tan bien que uno cree que lo logró; Oculta su paso contenido en la frenética carrera del piano. Él se recupera. Con un poco de humor, el álbum también tiene una canción llamada “Capricornio”. Él conoce sus contrastes. Él se conoce a sí mismo.
Escúchalo en YouTube
Recuerdo algo que Miles dijo en una entrevista, justo en la época en que se publicó este artículo: “No escribas sobre la música. ¡La música habla por sí sola! Siempre he estado de acuerdo con esta opinión, particularmente con la música de Miles y particularmente con la de este período. Entonces, con eso en mente, espero que Miles no se enoje demasiado conmigo aquí, dondequiera que esté. “Lonely Fire” es una hermosa pieza musical. La actuación es tan fresca hoy como lo era en 1974, cuando se estrenó. La orquestación es algo que las clases de los conservatorios deben incluir en sus planes de estudio. La canción es esencialmente un boceto. Miles toca la melodía varias veces, luego Wayne Shorter al saxo soprano, luego Bennie Maupin al clarinete bajo y luego de nuevo a Miles, quien sigue embelleciendo más. No hay solos. En ese sentido también es como la pieza “Nefertiti” de Wayne Shorter, porque no hay “solos”, sólo la melodía, una y otra vez con adornos. La elección de colores con la sección rítmica es estelar, con sitar, tambora, piano Fender Rhodes, bajo, batería y percusión. El sonido de Miles aquí es inquietantemente hermoso. En una entrevista que Greg Tate le hizo a Wayne Shorter hace varios años, Wayne se refirió al sonido de la trompeta de Miles como "Excalibur". Aquí vemos por qué. Esta música está más allá de cualquier palabra que se me ocurra darle. ¡Le daría 10 estrellas!
Escúchalo en YouTube
Es un poco perverso elegir una canción en la que Miles Davis toca el órgano y no la trompeta. Solo eso diferenciaría a “Rated X”, incluso en un álbum (“Get Up With It”) repleto de experimentos y cambios estilísticos. Pero “Rated X” ofrece una sacudida singular, una de esas de “¿Esto se grabó en qué década?” momentos. (Somos los años 70.) La batería suena más programada que tocada: nítida y frenéticamente precisa, completamente moderna, y es a la vez una columna vertebral y una fuerza desestabilizadora, que se corta abruptamente en el silencio y quita la alfombra debajo del zumbido del órgano. , sólo para volver a entrar con la misma rapidez. Impulsada por un bajo galopante y una guitarra fuertemente wah-wah, la canción crea un ambiente ansioso y tenso pero estimulante, una inquietante carrera hacia el futuro.
Escúchalo en YouTube
Tengo muchos favoritos de Miles Davis, pero una canción que siempre me gusta es “Pharaoh's Dance”, de su álbum “Bitches Brew”, que es increíblemente genial. "La danza del faraón" para mí simplemente grita la palabra "cumplido". Puedo escuchar lo en sintonía que está Miles consigo mismo cada vez que juego esto. Nunca pierde una oportunidad de jugar, pero tampoco la exagera. Miles tiene esa sorprendente belleza de equilibrio que crea con su enfoque ecléctico cada vez que decide entrar y salir de la pista. Nunca es lo mismo; nunca repite una frase o secuencia.
Escúchalo en YouTube
La primera vez que escuché esta caja, “The Complete On the Corner Sessions”, tenía 30 años. Acababa de tocar con Marcus Miller en la Riviera francesa y sentí la necesidad de volver a visitar todo el trabajo de Miles Davis. Me di cuenta de que se me había escapado toda la parte eléctrica. Fue “On the Corner” y específicamente “Turnaround” lo que me ayudó a comprender su enfoque. Su deseo de no verse nunca limitado por las normas que a menudo convierten el éxito en el jazz en una maldición. Abrazó su historia mientras resonaba con la evolución de su tiempo. Este álbum, para mí, es la búsqueda de ese sonido. Y en “Turnaround” lo encontró.
Escúchalo en YouTube
Una de las revelaciones más importantes sobre la música me llegó cuando era adolescente, sentado en el sótano de un amigo, escuchando los LP de sus padres. El paso de los álbumes de quinteto de Miles a “Live-Evil” (1971) fue drástico; la recompensa fue comprender que el ritmo y los detalles del espacio, la ubicación y la articulación eran profundos y magistrales. Aún más, durante el apogeo de la radio de álbumes de rock y las estrellas de cantautores, era emocionante sentir una música que no trataba nada más que de su propio sonido, que decía mucho más de lo que las palabras podían decir. Y que la sensualidad de la música en el cuerpo podría transportar el rico y complejo intelecto de Miles.
Escúchalo en YouTube
Anuncio
Escúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTube"Fuego solitario"Escúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTube.Escúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTube“Calificación X”Escúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTubeEscúchalo en YouTube